Uno dei fenomeni più significativi del nostro tempo è stata l'evoluzione del cinema, che è passato dall'essere un giocattolo meccanico alla fine del XIX secolo a diventare la forma d'arte più potente e versatile del nostro secolo. Nel suo primo palcoscenico camaleontico, il cinema è stato utilizzato come estensione della fotografia, sostituto del teatro e del music hall e come parte dell'armamentario dei maghi. Già negli anni Venti scettici e boriosi smisero di guardarlo con diffidenza e gli cedettero.
Oggi il cinema genera un rispetto simile a qualsiasi altra forma di espressione creativa. Nella vasta complessità dei suoi processi creativi, combina a vari livelli le funzioni di poesia, musica, pittura, teatro, architettura e molte altre arti, maggiori e minori. Combina anche la fredda logica della scienza con l'ingegnosità astratta dell'immaginazione umana. Non importa cosa si cerchi di farne, non importa chi lo usa e per cosa - il produttore per guadagno finanziario, un gruppo politico per la propaganda o un intellettuale d'avanguardia per soddisfare un bisogno estetico - il cinema è fondamentalmente l'espressione dell'uno o dell'altro. più concetti in termini estetici, che si sono cristallizzati in incredibilmente pochi anni.
Forse era inevitabile che il cinema trovasse il suo più grande impulso negli Stati Uniti. Un Paese senza una profonda tradizione artistica e culturale è stato forse il più capace di valutare oggettivamente il nuovo mezzo. Grazie a pionieri come Griffith e a un pubblico vasto e sensazionalmente disponibile che continuava a chiedere a gran voce qualcosa di nuovo, lo stile di base dei modelli di produzione si è evoluto e si è perfezionato più velocemente del solito. Oggi il cinema ha raggiunto una fase in cui può avvicinarsi a Shakespeare e alla psichiatria con la stessa facilità. Tecnicamente, nel campo del bianco e nero, il cinema è estremamente fluido. Nuovi sviluppi nel campo della fotografia a colori e tridimensionale sono imminenti ed è possibile che prima che il decennio sia finito l'estetica del cinema cambierà radicalmente.
Nel frattempo, "gli studi sono spuntati", come ha scritto uno scrittore americano su Screenwriter , "anche in territori impensabili come l'India e la Cina". Non posso fare a meno di notare che questo focolaio si è verificato in India circa quarant'anni fa. Per un paese lontano dal centro delle cose, l'India è entrata nella produzione cinematografica sorprendentemente presto.
Il primo cortometraggio fu prodotto nel 1907 e il primo lungometraggio nel 1913. Negli anni '20 il cinema aveva raggiunto lo status di grande impresa. È facile dire al mondo che la produzione cinematografica in India è, quantitativamente, superata solo da Hollywood, è un fatto statisticamente verificabile. Ma possiamo dire lo stesso della qualità? Perché i nostri film non vengono proiettati all'estero? È solo perché l'India offre un mercato potenziale solo per i propri prodotti? Forse il simbolismo utilizzato è troppo oscuro per gli stranieri? O ci vergogniamo solo dei nostri film?
Per qualcuno che abbia familiarità con il livello medio dei migliori film stranieri e indiani la risposta è semplice. Affrontiamo la realtà. Non c'è ancora stato un film indiano che possa essere considerato tra i migliori al mondo. Mentre altri paesi ci sono riusciti, noi ci abbiamo provato a malapena, e non sempre nel modo più onesto, così che anche i nostri migliori film devono accettare la graziosa condizione che "dopotutto è un film indù".
Indubbiamente, questa mancanza di maturazione può essere attribuita a diversi fattori. I produttori vi racconteranno di questa misteriosa entità chiamata “la massa” che “cerca questo genere di cose”, i tecnici daranno la colpa agli strumenti e il regista potrà parlare molto delle meraviglie che ha in testa ma non riesce a tradurre. Semmai, sono state ottenute cose migliori in condizioni peggiori. Il cinema italiano del dopoguerra acclamato in tutto il mondo è un caso esemplare. Le ragioni sono altrove. Penso che siano i fondamenti del cinema.
Nella fase iniziale, i film erano molto simili, indipendentemente da dove venivano prodotti. Quando i pionieri iniziarono a percepire l'unicità del mezzo, il linguaggio del cinema si evolse gradualmente. E quando tutte le funzioni importanti del cinema, ad esempio il movimento, fossero state percepite, la raffinatezza dello stile e dei contenuti e la raffinatezza tecnica sarebbero state solo una questione di tempo. In India sembra che il concetto fondamentale di un modello di coerenza drammatica e temporale sia stato regolarmente frainteso.
Spesso, per strani ragionamenti, il movimento veniva equiparato all'azione e l'azione al melodramma. L'analogia con la musica non è appropriata nel nostro caso, perché la musica indù è in gran parte improvvisata.
Questa confusione elementare, aggiunta all'influenza del cinema americano, sono i due principali fattori responsabili dell'attuale stato del cinema indù. Gli aspetti superficiali dello stile americano, non importa quanto stravagante il contenuto, furono imitati con riverenza.
Quasi tutte le fasi del passato del cinema americano hanno avuto un impatto sui film indiani. Le storie sono state scritte sulla base dei successi di Hollywood e preservando con cura ciascuno dei suoi cliché. Anche quando la storia era genuinamente indù, lo sfondo si rivelava con un'incontenibile inclinazione per il linguaggio del jazz.
Nell'adattamento dei romanzi, sono stati seguiti due corsi: la storia è stata distorta per conformarsi alla formula di Hollywood, oppure è stata realizzata con una fedeltà così devota all'originale che lo scopo dell'interpretazione del film è fallito.
Dobbiamo renderci conto che i film americani sono un pessimo modello, in linea di principio perché rappresentano uno stile di vita totalmente diverso dal nostro. Quindi perché l'elevata brillantezza tecnica, segno distintivo dello standard di prodotto di Hollywood, è impossibile da raggiungere nelle attuali condizioni indiane. Ciò di cui il cinema indù ha bisogno oggi non è più lucentezza, ma più immaginazione, più integrità, più intelligente apprezzamento dei limiti del mezzo.
Dopotutto, abbiamo gli strumenti essenziali per il cinema. Nonostante le lamentele dei tecnici, i dispositivi meccanici come gru e schermi di fondo sono utili, ma non indispensabili. In effetti, gli strumenti da noi sono stati utilizzati con vera intelligenza in alcune occasioni. Ciò di cui il nostro cinema ha bisogno soprattutto è uno stile, un linguaggio, un tipo di iconografia del cinema che sia unicamente e riconoscibilmente indù.
Ci sono alcuni ostacoli a farlo, in particolare nella rappresentazione dell'ambientazione contemporanea. L'influenza della civiltà occidentale ha creato anomalie che compaiono in quasi ogni aspetto della nostra vita. Accettiamo l'auto, la radio, il telefono, l'architettura moderna, l'abbigliamento europeo, come elementi funzionali della nostra esistenza. Ma entro i confini del quadro cinematografico, la loro incongruenza è a volte esagerata fino al burlesco. Ricordo una scena di un famoso film indù in cui l'eroina viene mostrata piangere in difficoltà mentre abbraccia una radio portatile - un oggetto che associava mentalmente al suo amante assente, che una volta era un cantante radiofonico.
Un altro esempio, tipico del finale di Hollywood, mostra l'eroina che si precipita in un'elegante decappottabile per cercare di raggiungere il suo amore frustrato, che ha lasciato la città a piedi; quando lo vede, scende dalla macchina, e una specie di gesto simbolico percorre il resto della strada finché non lo trova.
La maggior parte dei nostri film è piena di dissonanze visive. In Kalpana , Uday Shankar usa queste dissonanze in modo consapevole e coerente in modo che diventino parte del suo stile cinematografico. Ma il vero film indù deve essere chiaro su queste incongruenze e cercare il suo materiale negli aspetti più basilari della vita in India, dove abitudine e linguaggio, abbigliamento e moda, contesto e background, si fondono in un insieme armonioso.
Solo attraverso una drastica semplificazione di stile e contenuto ci sarà speranza per il cinema indiano. Per ora, sembra che quasi tutte le pratiche prevalgano contro questa semplificazione.
Avviare una produzione senza un'adeguata pianificazione, a volte anche senza una sceneggiatura, la tendenza a deviazioni e trame senza scopo invece della narrazione unidirezionale forte e semplice; la pratica del numero sandwich musicale nella situazione meno musicale; la portata, nello stesso momento in cui altri paesi si rivolgono all'ispirazione documentaria - tutto ciò ostacola l'evoluzione di uno stile distintivo.
Ci sono stati rari lampi di approcci illuminati in una manciata di film recenti. Dharti ke Lal (1946) di Khwaja Ahmad Abbas è un esempio di un potente argomento semplice affrontato con stile, onestà e competenza tecnica. Kalpana (1948) di Uday Shankar, un esperimento inimitabile e altamente personale, mostra un percorso verso l'apice del successo cinematografico. La fotografia soddisfacente denotata dal documentario delle Nazioni Unite di Paul Zils mostra che può fare una macchina fotografica perspicace con il paesaggio dell'India.
La materia prima del cinema è la vita stessa. È incredibile che un paese che ha ispirato così tanta pittura, musica e poesia muoia mobilitando il regista. Devi solo tenere gli occhi aperti e le orecchie attente. Lasciamoli fare.
Satyajit Ray
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